La compositora construye una banda sonora electrónica concebida para dialogar de forma directa con la fisicidad y la psicología del protagonista. Durante aproximadamente la primera mitad del filme, su trabajo resulta especialmente eficaz en dos niveles. En el plano ambiental, aporta modernidad, textura y un pulso urbano plenamente coherente con la energía física del personaje; en el dramático, la música se convierte en una prolongación de su estado mental, de su tensión interna y de su incesante agitación emocional. Peñarrubia crea un espacio sonoro que vibra, respira y se contrae, reflejando al mismo tiempo el universo que crece en el interior del protagonista.

Incorpora voces procesadas que funcionan como la irrupción de un diálogo interior. No representan simples dudas, sino la materialización de sus miedos, de aquello que arrastra en silencio y de la vida que late dentro de él como un eco persistente que lo interpela. Este recurso añade una poderosa dimensión psicológica y amplía el alcance expresivo de la propuesta. Sin embargo, una vez planteado este dispositivo conceptual —aproximadamente hacia la mitad de la película— la banda sonora deja de evolucionar. La escritura musical entra en una fase de estancamiento, repitiendo patrones y texturas sin desarrollar nuevas capas dramáticas ni transformar el discurso sonoro. La electrónica, inicialmente vibrante y expresiva, acaba perdiendo relieve hasta volverse plana y monótona, incapaz de sostener la tensión emocional que había construido con tanta precisión. Esta reiteración termina por diluir su impacto y reduce progresivamente su presencia dramática hasta situarla cerca de la irrelevancia.

El prometedor arranque hacía pensar en una obra más compleja y capaz de acompañar la evolución del personaje con mayor profundidad. Pese a ello, la banda sonora evidencia el talento de la compositora para la creación electrónica aplicada al cine y su capacidad para explorar la subjetividad desde un lenguaje sonoro contemporáneo, personal y arriesgado.