Esta semana me topé con un anuncio de inteligencia artificial cuyo lema era tan directo como inquietante: “Bandas sonoras en minutos, no en meses”. Tras el shock inicial —seguido de cierta indignación y preocupación— llegó una conclusión más pragmática: la inteligencia artificial ya está aquí, es una realidad y no va a desaparecer. Resistirse a ella es una causa perdida. Cuanto más intenten los compositores preservar como exclusivo el territorio de la creación musical audiovisual, más espacio terminará ocupando la IA. Quizás, entonces, la estrategia más inteligente no sea combatirla, sino aprender a convivir con ella.
En el siglo XIX, durante la Revolución Industrial, miles de obreros lucharon contra las máquinas que amenazaban con sustituirlos. Las máquinas, sin embargo, se quedaron. Y muchos trabajadores, lejos de desaparecer, lograron adaptarse y reconvertirse, convirtiéndose en operadores de esas mismas tecnologías. La comparación no es la mejor —aquello era trabajo mecánico, no creación artística—, pero revela una lógica que hoy vuelve a repetirse. En buena parte de la industria audiovisual, la música ha dejado de ser algo que deba defenderse necesariamente desde lo estético: basta con que funcione. Ese mal llamado “encaje” no es más que la adaptación funcional dentro de un sistema que prioriza la utilidad, la rapidez y la eficiencia de recursos.
La figura del compositor como artista ha convivido siempre con la del compositor funcional: eficaz, competente, resolutivo, pero sin una voz autoral reconocible. El lenguaje de John Williams o Ennio Morricone no es intercambiable ni neutro; es identificable incluso fuera de la película. Esa capacidad de dejar huella implica una impronta personal que trasciende la función narrativa. Sin embargo, junto a estas voces, siempre ha existido una gran cantidad de música despersonalizada, intercambiable y neutra: perfectamente válida, incluso brillante, pero carente de identidad. Y es precisamente este tipo de música el que, antes o después, será terreno fértil para la inteligencia artificial. Ciertamente la frontera entre ambos territorios no siempre es nítida. Incluso en escenas aparentemente funcionales, un compositor puede introducir decisiones sutiles que enriquecen la narrativa sin que el espectador sea plenamente consciente. Reducir esa zona a lo meramente prescindible sería simplificar en exceso una realidad mucho más compleja, pero estamos en los supuestos en los que solo sea necesaria la música de relleno.
Aun así, es precisamente ese espacio —el de la música que cumple sin reclamar autoría— el que, antes o después, será terreno fértil para la inteligencia artificial. Y aquí aparece un riesgo más profundo: no solo que la IA sustituya cierto tipo de música, sino que contribuya a expandirlo. Si producir música neutra, eficaz y correcta se vuelve más rápido y barato que nunca, la industria puede terminar inclinándose aún más hacia ese modelo, reduciendo progresivamente el espacio destinado a propuestas con identidad propia.
La lógica dominante ya no prioriza la innovación, sino la coherencia calculada. Y lo más significativo es que este cambio no siempre se percibe como una pérdida, sino como una mejora. Si todo suena correcto, si todo suena cinematográfico, si todo cumple su función… ¿para qué pagar a un compositor? Pero la verdadera pregunta no es solo económica, sino estructural: ¿quién decide qué música necesita realmente una película? ¿Dónde termina lo funcional y empieza lo expresivo? Esa decisión rara vez recae en el compositor.
La cuestión, entonces, es estratégica: saber ceder terreno para proteger aquello que realmente importa. ¿Es imprescindible el alma de un compositor —y la de los intérpretes— para acompañar una secuencia de acción genérica, donde la música no pretende aportar profundidad dramática sino simplemente sostener la tensión? Si la IA, bajo la supervisión de un compositor, puede resolver eficazmente este tipo de situaciones, quizá no sea ahí donde deba librarse la batalla.
Porque hay otro territorio, mucho más valioso, que sí requiere una voz humana. Allí donde la música no rellena sino que expresa, revela y transforma. Cuando escribe para un personaje, el compositor se introduce en su piel, respira con él, absorbe sus contradicciones y las traduce en música. Esa dimensión —hecha de intuición, fragilidad, conflicto, dudas y experiencia— no es replicable por una máquina. Y el público lo recibe bien porque percibe un aliento puramente humano.
El problema, por tanto, no es la existencia de la inteligencia artificial, sino el marco en el que se la integra. No inquieta que una IA pueda generar música; inquieta que la industria deje de necesitar voces humanas. Porque cuando la música se vuelve completamente sustituible, la autoría deja de ser esencial y pasa a ser decorativa. Y una música sin necesidad de autor no representa una evolución del lenguaje, sino su progresiva despersonalización.
Quizás por eso, más que rechazar la inteligencia artificial, tenga sentido incorporarla como herramienta. No para cederle el control, sino para delimitar mejor el territorio que debe seguir siendo humano. Aliarse con la IA no implica renunciar a la autoría, sino defender con mayor claridad el espacio donde esta resulta insustituible.
TO ALLY WITH ARTIFICIAL INTELLIGENCE
This week I came across an artificial intelligence ad with a slogan as blunt as it was unsettling: “Soundtracks in minutes, not months.” After the initial shock—followed by a mix of indignation and concern—a more pragmatic conclusion set in: AI is here, it’s real, and it’s not going anywhere. Resisting it is a losing battle. The more composers try to preserve audiovisual music creation as an exclusive domain, the more ground AI will ultimately take. Perhaps, then, the smartest strategy is not to fight it, but to learn how to coexist with it.
In the 19th century, during the Industrial Revolution, thousands of workers fought against the machines that threatened to replace them. The machines, however, stayed. And many workers, rather than disappearing, managed to adapt and reinvent themselves, becoming operators of those very technologies. The comparison is imperfect—this was mechanical labor, not artistic creation—but it reveals a logic that is repeating itself today. In much of the audiovisual industry, music is no longer something that must necessarily be defended on aesthetic grounds; it simply has to work. This so-called “fit” is nothing more than functional adaptation within a system that prioritizes utility, speed, and efficiency.
The figure of the composer as artist has always coexisted with that of the functional composer: effective, competent, efficient, but without a recognizable authorial voice. The musical language of John Williams or Ennio Morricone is neither interchangeable nor neutral; it is identifiable even outside the film. That ability to leave a mark implies a personal imprint that transcends narrative function. And yet, alongside these voices, there has always been a vast amount of depersonalized, interchangeable, neutral music: perfectly valid—even brilliant—but lacking identity. It is precisely this type of music that, sooner or later, will become fertile ground for artificial intelligence. Admittedly, the boundary between these two territories is not always clear. Even in seemingly functional scenes, a composer may introduce subtle decisions that enrich the narrative without the audience being fully aware. Reducing that space to something entirely expendable would oversimplify a much more complex reality—but we are speaking here of cases where only filler music is required.
Still, it is precisely this space—the music that fulfills its role without claiming authorship—that will, sooner or later, be taken over by AI. And here a deeper risk emerges: not only that AI will replace a certain kind of music, but that it will help expand it. If producing neutral, effective, “correct” music becomes faster and cheaper than ever, the industry may lean even more heavily in that direction, progressively shrinking the space for proposals with a distinct identity.
The dominant logic no longer prioritizes innovation, but calculated coherence. And what is most significant is that this shift is not always perceived as a loss, but as an improvement. If everything sounds right, if everything sounds cinematic, if everything fulfills its function… why pay a composer? But the real question is not only economic, but structural: who decides what kind of music a film actually needs? Where does the functional end and the expressive begin? That decision rarely rests with the composer.
The issue, then, is strategic: knowing how to yield ground in order to protect what truly matters. Is the soul of a composer—and that of performers—really essential for a generic action sequence, where the music is not meant to add dramatic depth but simply sustain tension? If AI, under a composer’s guidance, can effectively handle such situations, perhaps that is not where the battle should be fought.
Because there is another territory, far more valuable, that does require a human voice. A space where music does not merely fill, but expresses, reveals, and transforms. When writing for a character, the composer inhabits them, breathes with them, absorbs their contradictions, and translates them into music. That dimension—made of intuition, fragility, conflict, doubt, and experience—cannot be replicated by a machine. And audiences respond to it, because they perceive something unmistakably human.
The problem, therefore, is not the existence of artificial intelligence, but the framework in which it is integrated. It is not troubling that AI can generate music; what is troubling is the possibility that the industry may stop needing human voices. Because when music becomes entirely replaceable, authorship ceases to be essential and becomes merely decorative. And music that does not require an author is not an evolution of the language, but its gradual depersonalization.
Perhaps for this reason, rather than rejecting artificial intelligence, it makes sense to embrace it as a tool. Not to relinquish control, but to more clearly define the territory that must remain human. Aligning with AI does not mean giving up authorship; it means defending, with greater clarity, the space where it remains irreplaceable.
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